28/2/11

Oscar 2011

Tom Hooper, avatar inglés de James Cameron
Triunfó el cine clásico. A estas alturas todos sabréis ya quien se llevó los premios importantes, que vestido lució Pe y que Natalie no dio a luz en el escenario, pero en este resumen encontrareis todo lo que debéis saber de la gala más sosa por la que jamás he trasnochado.

El Discurso del Rey se ha llevado el de mejor película, algo que era de esperar, y mejor director para Tom Hooper, lo que no ha sentado tan bien a todo el mundo. Muchos preferían que Fincher se llevase el galardón pero parece que el gran angular continuo de Hooper ha gustado en Hollywood. Los guiones se repartieron, original para El Discurso del Rey y adaptado para La Red Social que fue reconocida tambien con las estatuillas por su montaje y por su perfecta banda sonora. Colin Firth y Natalie Portman, la más guapa de la noche con diferencia, cumplieron con los pronósticos con los premios más merecidos de la noche. La barba de Christian Bale pudo con la calva de Geoffrey Rush y Melissa Leo la lió parda cuando soltó la palabra con “F” (aquí con “J”) en los premios más recatados del mundo. Toy Story 3 fue la mejor película de animación y para muchos la mejor película y punto. Banksy no se dejó ver ya que el mejor documental fue Inside Job, uno sobre la crisis narrado por Matt Damon. Lo siento grafiteros. Biutiful perdió en benefinio de la danesa In a Better World. Alicia en el País de las Maravillas se llevó mejor vestuario y mejor dirección artística y aun no lo entiendo. El Hombre Lobo mejor maquillaje, ¿qué ironía no?, y mejor canción "We Belong Together" compuesta por Randy Newman  para Toy Story 3. Mejor corto de animación The Lost Thing, espero que realmente sea mejor que Day & Night aunque es muy difícil. Mejor corto God of Love de un chico palmera muy gracioso y mejor corto documental Strangers No More. Por último, los premios técnicos que suelen engrosan el número de Oscar de la ganadora se vengaron de las nominaciones e hicieron justicia. Christopher Nolan, el gran olvidado como mejor director, vio como Origen se hacía con las estatuillas de fotografía, sonido, edición de sonido y efectos visuales.

Yo también lo siento...
La ceremonia fue aburrida. Ese es el mejor resumen que puedo hacer. En Hollywood querían que los jóvenes viesen por la tele la entrega de premios y decidieron que Anne Hathaway y James Franco serían el mejor reclamo. No sé cómo fueron las audiencias, pero el resultado fue triste, frio y falto de chispa. La entrega de premios de los jóvenes solo brilló cuando salieron los más viejos: Kirk Douglas inmenso entregando un premio, el genial Billy Crystal y los efímeros homenajes finalizados con un precioso discurso de Spielberg antes del gran premio fueron los únicos momentos realmente interesantes.

Natalie no podía estar más guapa
Todo comenzó con un impactante montaje de las nominadas con la versión del In the Hall of the Mountain King de Trent Reznor y Atticus Ross perteneciente a la banda sonora de La Red Social, creo que fue un aviso para tranquilizarnos a los fans de NIN, el Oscar era para Reznor, podíamos está tranquilos. El video dio paso al ya clásico montaje de las películas nominadas en los que se inserta a los presentadores de turno haciendo el canelo. Esto fue muy divertido como siempre, aunque tengo que reconocer que les hemos pillado, el de Buenafuente este año me pareció más gracioso.  Después de un recuerdo a Regreso al Futuro, Anne y James hicieron su monólogo introductorio, no demasiado gracioso e incluyendo además saludos a sus madres y abuelas. Después de esto las apariciones de los presentadores fueron escasas, sobre todo las de James Franco que poco a poco se fue metiendo en su papel de Superfumados y solo miraba al frente con cara de risa y pronunciaba las tres o cuatro líneas que le tocaba para volver detrás del telón y seguir twitteando. Anne Hathaway hizo algo más ya que le tocó cantar y presentar a algún copresentador ella sola. Aun no entiendo por qué James Franco fue contratado para decir dos chorradas mientras la gala la conducía su compañera.

¡Ese barbas!
El caso es que tuvo que salir Kirk Douglas a entregar el premio a mejor actriz de reparto para que nos riésemos un rato. Rápidamente se convirtió en trending topic desbancando a Mila Kunis y su locura en la alfombra. El bueno de Kirk tuvo tiempo de reírse de Hugh Jackman, de la flema británica de Colin Firth y de ligar con todas las presentes, incluyendo la presentadora a la que le dijo “dónde estaban las chicas como tú cuando yo hacía películas”. Increíble. Después de esto todo fue muy aburrido. Los premios se sucedían y la falta de algo interesante entre medias llegaba a niveles terroríficos. Entonces apareció Billy Crystal y todos aplaudieron como locos, como deseando que se quedase. En dos frases nos ganó a todos y recordó a quien diseña esto que o tienes chispa o no la tienes. Crystal la tiene, y mucha. Su manera de dirigirse al público, de hablarles como colega pero a la vez como presentador es única. Espero que el año que viene recuerden lo que de verdad importa y presente alguien con su carisma.

Una de las pérdidas más grandes de este año
Pero como todo lo bueno acaba, la ceremonia continuó. Fue entonces cuando entró en una espiral vertiginosa hacia el averno. Comenzaron los cuatro números musicales de rigor que sabiamente habían eliminado el año pasado. Después el recuerdo a los fallecidos del año con Céline Dion de fondo. Que la canadiense cantase a los muertos me pareció una falta de respeto por sus almas. Leslie Nielsen, Irvin Kershner, Dennis Hopper, Blake Edwards, un año lleno de perdidas pero aun así me parecieron imperdonables las ausencias de Sally Menke, Maria Schneider y el genial Berlanga que les recuerdo a los académicos que estuvo nominado por Plácido. La gala continuó con el video de la entrega días antes de los Oscars honoríficos a los absolutamente inmensos, a falta de palabras más apropiadas para describir mi admiración, Eli Wallach, Francis Ford Coppola y Jean-Luc Godard. Tras el video Wallach y Coppola salieron al escenario a que les aplaudiesen y cortaron para publicidad sin dejarles hablar. Yo ahí casi me caí de la silla. Más tarde me enteré de que la ausencia de Godard se debía básicamente a que dijo que era un premio de segunda y que no le compensaba el viaje. Pues mira tú qué bien.

El Javi y la Pe-chos
Con las fuerza a punto de abandonarme, vi como salía Spielberg a dar el premio gordo y me animé otra vez. Tras recordar que las nueve películas que no ganen entrarán en la lista en la que están Apocalypse Now, Taxi Driver y Toro Salvaje, a alguno le dieron ganas de perder. Entregado el Oscar a mejor película salieron los presentadores para despedirse y para poner la puntilla a la gala con un número horrible de fiesta de fin de curso. Unos cincuenta niños con camisetas de colores cantando "Somewhere Over the Rainbow" mientras sobreactúan exageradamente NO es el modo de terminar una entrega de premios a lo grande, a no ser que seas la madre de alguno claro. Este año, hemos ganado.

En la gala paralela, la de Twitter, no hubo tanto juego como en los Goya. Los españoles molamos más. Destacar que el trending topic fue Mila Kunis ya que en la alfombra roja llamó la atención por su vestido y luego por reconocer que está loca. Es un primer paso mujer. Durante la gala ganó puestos Kirk Douglas con su aparición y permaneció en los primeros puestos durante toda la noche. Al salir Billy Crystal el clamor por que se quedase en el escenario para arreglar lo que quedaba de ceremonia fue unánime, casi tanto como cuando Justin Timberlake y la loca de Mila presentaron un premio y muchos vieron en esta pareja la versión acertada de la formada por Hathaway y Franco (James, no Paco). El momento más emocionante fue cuando Natalie recibió su premio y pareció que hasta se oían los gritos de miles de internautas de todo el mundo que se alegraron como de si fuese de la familia. La verdad es que es tan maja, tan guapa y tan rematadamente buena actuando que no me extraña que nos sentase tan bien a todos. De los presentes poca cosa porque, como contó Carlos Bardem, les confiscaban el móvil antes de entrar. Una pena porque el hermanísimo había prometido twittear cada cotilleo y hasta su entrada la cosa estaba entretenida. Al que no le quitaron el móvil fue a James Franco que se tiró toda la noche poniendo chorradas. En la retrasmisión de Canal Plus sucedió algo parecido, oías a Pepe Colubi comentar de manera algo comedida lo que iba sucediendo mientras @pepecolubi, su alter ego malévolo, nos deleitaba con la mala leche acostumbrada.

Justin y Mila a su royo
Pero como esto en realidad va de listas de mejor y peor, os dejo el enlace oficial de nominados y ganadores y os emplazo a que visitéis soVIPzone para conocer como siempre los detalles de la alfombra roja (aunque me temo que se va a meter con Scarlett por compartir peluquero con Tim Burton).

Para terminar me voy a dar un gustazo y ya os dejo en paz. A continuación dos listas. La primera, las diez películas nominadas en orden de genialidad. La segunda, mi lista personal de las verdaderas diez mejores películas del año. No hay mucha diferencia, este año estoy satisfecho. Más o menos.

Nominadas

Lista buena
10. 127 Horas

Crystal, Douglas y Spielberg, verdaderos reyes de la noche

25/2/11

Los Chicos Están Bien (The Kids Are All Right)

Hoy he visto Los Chicos Están Bien (The Kids Are All Right), una de inseminaciones, lesbianas que beben vino y neomacarras con cultivos ecológicos.
La tipografía del original es mejor
Dirigida por Lisa Cholodenko, presenta varias de las características que debe tener la peli indie que cada año “sorprende” en los Oscar: títulos de crédito iniciales desenfadados, alguna canción bien escogida y una trama que presenta una historia algo dramática pero narrada a modo de comedia debido a la fortaleza de sus personajes. A parte de esto, poco más se puede destacar puesto que no explora profundamente a ninguno de sus protagonistas, la música no termina de ser la acertada, cinematográficamente nada se sale de lo común y la historia no es tan rompedora como podría parecer.

La trama nos cuenta como una pareja de lesbianas convive con sus hijos adolescentes los cuales fueron producto de respectivas inseminaciones artificiales. Laser se pasa el día con un amigo que no sabemos muy bien por qué pero es un cabrón y Joni acaba de cumplir la mayoría de edad y está a punto de irse a la universidad. Un buen día deciden hurgar en los archivos de la clínica de inseminación y contactar con su padre biológico, que parece ser que fue el mismo para los dos. Resulta ser un macarra moderno, una especie de Johnny Depp pero sin ser famoso. Las madres no parecen muy contentas con la aparición del bohemio en sus vidas pero como es cine indie al final toman unos vinos y se caen fenomenal. Un par de líos de cama después la niña se va a la universidad y todos se quedan tan contentos. Del motero verdulero no se vuelve a saber.

Mia y Gorka
Annette Bening y Julianne Moore son la extraña pareja protagonista. Si bien es verdad que tampoco son tan impresionantes como todo el mundo proclamaba durante los Globos de Oro, sí hacen una interpretación sincera y divertida. Joni es Mia Wasikowska, la Alicia de la aberración de Tim Burton, y en esta ocasión parece más centrada en lo que hace. Josh Hutcherson es Laser y la gran complicación de su personaje es la cantidad de cosas que se atisban y lo poquísimo que se profundiza en ninguna durante la trama. Mark Ruffalo es el sucio galán y parece que todo le da igual todo el rato. Por cierto él será el nuevo Bruce Banner/Hulk en The Avengers.

El gran problema de la película es lo que vengo repitiendo desde el principio, no nos cuentan nada importante de ninguno si no que juegan a mostrar la superficie de cada uno. Solo el personaje de Julianne Moore tiene un poco más de juego y aun así sus acciones siguen pereciendo extrañas e impulsivas. El drama no termina de ser drama y la comedia se asoma tímidamente para  finalmente entrar solo a saludar y largarse por donde ha venido.

Por otro lado, el tono facilón de la peli, las gracietas intermitentes y la calidad de las interpretaciones hacen que si no tienes nada mejor que hacer, ver esta peli en una tarde tonta sea una opción francamente recomendable.
¡Ay qué risa!
Aquí tenéis el tráiler. Si os encantaron Juno, Pequeña Miss Sunshine y Una Historia de Brooklyn esta os parecerá algo flojita. Un 6.

23/2/11

Cisne Negro (Black Swan)

Hoy he visto Cisne Negro (Black Swan), una de dualidad, obsesión, locura y ballet.
Natalie se rompe
Genialidad del neoyorkino Darren Aronofsky y ya lleva unas cuantas. Empezó con una locura matemática llamada Pi, Fe en el Caos y supuso que todos los cinéfilos fijásemos en él nuestra atención para saber que vendría después. Pues nada más y nada menos que Réquiem por un Sueño, la hermana oscura de Trainspotting. Sublime y tenebrosa a partes iguales, conservaba la esencia de su opera prima y mejoraba su carta visual. Después le tocó el turno a La Fuente de la Vida y parece que de tanto intentar avanzar en su intrincado pensamiento se topó con la barrera de lo comercial y la mezcla resultó amarga. No siendo una mala película, sí contiene escenas que preferiría no recordar como ver a Hugh Jackman rapado levitando. Volvió al mundo real y rescató de un basurero a Mickey Rourke para dejarle a las puertas del Oscar. El Luchador era humana, terrenal y sincera. Aronofsky preparaba la parte tangible de su siguiente obra explorando una vez más los límites del cuerpo humano y la lucha continua con nuestra propia mente. Con lo aprendido por el camino, ha decidido mezclar toda su locura interior con la vida real y el resultado es una historia terrorífica, impactante y perfecta.

Cada plano de Cisne Negro es tan cierto como imaginario. Tonos planos y oscuros esconden otros rugosos que se transforman en brillantes rojizos. Todo esto ocurre a tu alrededor pero cuando fijas la vista ya no está, todo ha vuelto a la normalidad. Por el rabillo del ojo vuelves a notar movimiento, ahora son puntas afiladas, más oscuras que el negro y tan duras como flexibles. Pero, de nuevo, al mirar no hay nada. Aronofsky nos engaña continuamente mostrándonos con calma y naturalidad escenarios urbanos que en cualquier momento pueden volverse pesadillas infernales para volver a su estado normal en cuanto intentemos comprender que ocurre. La mezcla de imagen real y pequeñas modificaciones digitales es perfecta durante toda la película. La crudeza con la que nos muestra lo más bello convirtiéndose en lo más oscuro pero sin perder un ápice de su belleza es indescriptible. 

Con el sonido pasa exactamente igual. Ruidos cotidianos se transforman en susurros y risas continuas que te sumergen aun más en la constante paranoia que presenta la película. Los sonidos urbanos dicen tu nombre y te llaman. Se ríen de ti constantemente hasta que prestas atención y claro, no era nada.

La banda sonora que nos va atrapando a cada momento corre a cargo de Clint Mansell, un imprescindible de Aronofsky que todos recordareis por su genial trabajo en Réquiem por un Sueño. El montaje musical de Mansell consiste en esta ocasión en ir introduciendo en nuestra mente la inmortal composición de Tchaikovsky hasta tal punto que no sabes si en algún momento se deja de oír El Lago de los Cisnes o tu mente ya a entrado en un bucle infinito y perfecto.

Multiples prismas siempre visibles
La trama es sencilla. Nina, bailarina profesional de ballet, consigue el papel de prima ballerina en una nueva adaptación de El Lago de los Cisnes. En esta versión el director, Thomas Leroy, pretende reducir la historia a su esencia buscando los sentimientos de sus bailarines en su estado más puro. Para ello, pretende que Nina sea el cisne blanco, una princesa delicada, perfecta y enamorada y, a la vez, interprete al cisne negro, gemela de la princesa y ejemplo de traición, tentación y lujuria. Con una técnica perfeccionada durante años, no tiene problemas con la parte más bondadosa, pero el cisne negro se presenta como un reto. Las exigencias de Leroy  aumentan cuando Lily, una impulsiva bailarina llegada de San Francisco, comienza a personificar todo lo que Nina necesita para dejarse llevar y convertirse en su propio alter ego. La tensión entre las dos y los problemas con el director aumentan por momentos y la realidad parece irse torciendo poco a poco. La madre de la protagonista tampoco ayuda ya que solo quiere lo mejor para su hija, es decir, la perfección absoluta en su disciplina como bailarina profesional. Poco a poco Nina se sale de la rutina casi ritual que guiaba su vida y experimenta lo necesario para encontrar esa parte oscura de la que habla el director. Pero claro, su mente puede jugarle malas pasadas si abre de golpe esa puesta que ha permanecido cerrada toda su vida. Lo negro sale con fuerza y puede apoderarse de lo blanco.

No solo se vive de ballet
Natalie Portman a merecido el Oscar tres veces, le han nominado dos y en esta se lo va a llevar.  Desde su papel en El Profesional (Léon) con 12 años, ya merecía la estatuilla. En 2004 Cate Blanchett se le cruzó en el camino y se quedó sin premio pese a su portentosa interpretación en Closer. Pero esta vez, tras diez meses de ensayos, un año a base de lechuga y zanahorias y una capacidad mental para soportar la complejidad de un guión imposible, parece que se han dado cuenta de que le va tocando. Es tan tierna al principio como perturbadora según se va transformando. Cuando se cruza con su otro yo oscuro por la calle, parece que estás viendo a dos actrices diferentes. Cuando pelea con ella misma, no resulta extraño, se te olvida que esas dos personas que estás viendo, son la misma. Su transformación es tan radical, que es imposible no asumir ciertas manías del personaje como propias de ella misma durante un rodaje bizarro y agotador. Resumiré diciendo que es una de las cinco mejores actrices en la actualidad.
Transformación
Mila Kunis es Lily, la bailarina apasionada e imprecisa que vive la vida y pretende usurpar el puesto de Nina si es posible. En algunos resúmenes la presentan como el cisne negro y eso no es del todo cierto, en la película como en la trama que lleva a cabo, el cisne negro es Natalie Portman todo el rato. Mila Kunis solo es un resorte más aunque indispensable. Su energía y seguridad al actuar vuelven a confundir la vida real con lo imaginario, la ficción con el set de rodaje. Sus escenas junto con la protagonista son impagables.
Vincent Cassel es Thomas, director de la compañía y guía de Nina en su turbulento viaje al lado oscuro. Cassel vuelve a interpretar a un hombre algo impulsivo y convencido de su capacidad para sacar lo mejor de cada uno. Aun no se han oído rumores interesantes del actor durante el rodaje. Para el que no lo sepa, digamos que tiene fama de ser aun más violento y áspero que los personajes que interpreta.
Barbara Hershey es la madre de Nina que ve con impotencia como su hija se está transformando en algo horrible pero no puede hacer nada.
Winona Ryder es la antigua estrella de la compañía y la encargada de terminar de estresar a la ya incontrolada protagonista.
El maquillaje es otro punto fuerte de la película
Si tengo que destacar alguna escena de la película no sabría por donde empezar. El pasillo de la estación, la discoteca, la noche de después, la lucha en el camerino, la actuación final… es imposible. Hay películas que se comparan con estar en una montaña rusa. Cisne Negro es la subida los primeros minutos y luego la primera caída de la atracción durante una hora y media.

Aronofsky vuelve por tanto a contarnos hasta que punto una persona puede destruirse a sí misma para llegar a ser lo que desea. Y lo hace transformando una película de ballet, superación y competencia, en una cinta psicodélica, intrigante, sexual y hasta terrorífica en muchas ocasiones. Un viaje increíble del que disfrutar en una sala de cine, a oscuras, preferiblemente a solas para poder salir cuando todo termine y encontrarte en la ciudad de noche, con las sombras y los ruidos que te siguen, meterte en el metro y salir un par de paradas antes de la tuya, en una estación vacía y así, poder cruzarte contigo mismo.
Genial colección de carteles
Aquí tenéis el tráiler. Os gustará si queréis ver que pasa si mezcláis Réquiem por un Sueño, Eyes Wide Shut y ponéis tanto al Dr. Jekyll como a Mr. Hyde unas puntas y un tutú. El ballet ya no es para nenas, es peligroso, da miedo y es rematadamente sexy. Un 10.

P.S.: Me es imposible no añadir este sketch del Saturday Night Live de hace una semana donde Jim Carrey hace de las suyas.

22/2/11

Winter's Bone

Hoy he visto Winter’s Bone, una de paletos, venganzas, frio y laboratorios de crack.
El gorrito es protagonista
Segundo largometraje de Debra Granik tras la poco conocida Down to the Bone. La fotografía es igual de gélida que el tiempo que sufren los protagonistas lo que impregna toda la trama de cierto regusto poético. Todos los aspectos de esta película, parecen centrarse en demostrar que la belleza y el dolor están unidos. Cuanto más sufre la protagonista, más extraño y atrayente es el paraje que adorna la escena. La simpleza y crudeza de la trama junto con los aspectos que acabo de comentar, hacen que la película sea demasiado independiente para el cine comercial. Por otro lado, el argumento está claro desde el principio. Cada acción queda expuesta de manera obvia y sin tapujos. La dificultad para mantener a tu familia y llevar a cabo otras actividades imposibles a la vez es algo que siempre vende. Por eso la película es demasiado comercial para ser cine independiente. Además, que todos en el reparto tengan cara de paletos pero que la protagonista sea atractiva es el mejor ejemplo para demostrar que la película está justo en el límite de las películas de autor y un simple blockbuster con trasfondo social. Ideal para triunfar en Sundance, como ocurrió.

El argumento nos cuenta como Ree, una joven de una aldea montañosa, malvive intentando sacar adelante a sus dos hermanos pequeños y a su madre que parece haber perdido todo contacto con el mundo real. Para complicar la situación, su padre parece que no se presenta en un juicio que tiene pendiente y la casa donde viven los chicos era su aval. Desde ese momento, Ree debe seguir con su dura tarea mientras intenta encontrar a su padre para que se presente al juicio o, de lo contrario, en unas semanas estarán en la calle. Todo parece indicar que la desaparición de su padre se debe más a una venganza sangrienta que a una huida apresurada así que realmente lo que busca es su cuerpo. Claro, esto es un problema para el asesino.

Teardrop, el tío siniestro
Jennifer Lawrence interpreta a la protagonista y lo hace con una confianza y naturalidad asombrosa. Realmente merece su nominación al Oscar, el único problema es que también está Natalie Portman...
John Hawkes es Teardrop, tío de la chica y hermano del desaparecido. La intensidad de su interpretación es increíble. El resto lo forma un reparto tan desconocido como perfecto cada uno para cada papel. Es la américa profunda y todo el cast parece estar mascando tabaco y escupiendo en orinales todo el rato.

Hay muchas escenas interesantes. Una de las mejores es la visita a la rifa de ganado de la prota en busca del patriarca de la zona. Los planos parecen reales y de hecho supongo que en esta escena muchos lo son. El momento en el que los niños pequeños colocan diferentes botes y vasos en un tronco para que su hermana mayor les enseñe a disparar también es extrañamente bello.

En definitiva una historia simple y curiosa, un reparto cuidadosamente seleccionado y una fotografía a la altura, el problema es que no hay mucho más. ¿Merece estar nominada como una de las diez mejores películas del año? No para mi.
Pasando el rato
Aquí tenéis el tráiler. Os gustará si os apetece ver una mezcla de Cold Mountain, Brokeback Mountain y La Noche del Cazador. Un 7.

21/2/11

Pan Negro (Pa Negre)

Hoy he visto Pan Negro (Pa Negre), una de posguerra, despertares sexuales, ideas revolucionarias y la España (Catalunya) profunda.
Pa negre,  pan negro
Dirigida y escrita por Agustí Villaronga, esta cinta a sido la gran vencedora de los premios Goya de este año, incluyendo el galardón a mejor película, dirección y guión adaptado así como otros cuatro por las actuaciones de sus intérpretes. En cuanto al plano puramente visual, la película es atractiva. Las localizaciones son realmente acertadas y podemos disfrutar de parajes increíbles y aldeas en mitad del bosque en la Cataluña de los años 40. El ritmo narrativo es constante y solo decae en algunos desvaríos argumentales.

La historia nos cuenta como un asesinato conmociona a una aldea catalana y vemos, desde los ojos de un niño, como se va descubriendo un complot por parte de unos malvados marqueses que mandaron asesinar a un bandido y ahora están matando a los asesinos contratando a otros asesinos. Pero todo esto es una excusa, una historia de fondo. Si le preguntáis a alguien por la película nadie os contará lo que acabo de poner aunque, en esencia, es la espina dorsal de la película.

La Núria y el Andreu
Lo que realmente nos muestra la película es una sucesión de escenas ya vistas desde hace años en nuestro cine con un único punto de inflexión, esta vez hay que verla subtitulada. Y no es que lo diga yo. La insistencia con la que remarco que la película es el Cataluña es porque es lo primero que los creadores de la misma defienden y lo único que remarcan los medios. Y no pueden hablar de nada más básicamente porque es lo único que aporta, otro idioma. La historia se ha contado en muchas ocasiones en castellano aunque realmente fue en italiano cuando llegó a su apogeo. Fellini ya exprimió toda la belleza que pueden tener unos niños en un bosque, una comunidad rural con secretos escabrosos y una sexualidad a flor de piel. Todo eso se hico hace cuarenta años pero aquí aun nos sigue sorprendiendo. O no. En 1989, José Luis Cuerda ya contó una historia perfecta y llena de belleza con el mismo decorado, El Bosque Animado. Cuatro años antes, Berlanga resumió el estado real de los ideales en La Vaquilla. Desde entonces, decenas de películas nos cuentan una y otra vez lo mismo con pequeñas historias de fondo como excusa. Si esta tuviese algo realmente destacable, salvaría la peli, pero como lo único que ofrecen a modo de ruptura es el idioma, no pasa la criba.

¡Todos a la carcel!
Francesc Colomer y Marina Comas son los niños protagonistas y ganadores del Goya al actor y actriz revelación respectivamente. Francesc está muy bien pero realmente Marina es la que destaca. Nora Navas se llevaba el premio a mejor actriz protagonista por un papel soso y sin fuerza argumental en ningún fragmento de la película. Incluso hay una escena especialmente chocante en la que los sentimientos parecen pasar de un extremo a otro en cuestión de segundos. Laia Marull, Goya a mejor actriz de reparto, está graciosa, sin más. Terele Pávez tiene el mismo papel pero mucho más exagerada e interesante en Balada Triste de Trompeta. Roger Casamajor es el soso padre del chicuelo y Marina Gatell la tía Enriqueta que va en bicicleta, literalmente. Eduard Fernández sale poco pero correcto, como siempre, y Sergi López repite el papel que tenía en El Laberinto del Fauno, otra película con el mismo escenario pero con una historia que realmente merecía la pena disfrutar.

Por todo esto, mucho me temo que entre las cuatro opciones a mejor película española de este año, Pan Negro me parece la menos acertada. También la Lluvia es la más académica, Balada Triste de Trompeta mi favorita y Buried (Enterrado) es posiblemente la mejor.

Aun así me gustaría destacar la primera escena de la película, a mi parecer la más interesante, donde vemos el asalto a un carruaje por un misterioso bandido de métodos poco ortodoxos. Cuando parece que todo ha terminado, el caballo se despeña por un barranco mostrándonos lo que viene a ser el antepasado de un accidente de tráfico.
Papá, ¿qué has hecho?
Aquí tenéis el tráiler. Podéis verla porque es la única que no había recaudado porque estaba en pocos cines pero como ha ganado ahora está en más. ¿Tendrá esto algo que ver con la decisión de los académicos? Os gustará si después de ver El Espíritu de la Colmena, Companys, Proceso a Cataluña, Réquiem por un Campesino Español, Lorca, Muerte de un Poeta, Si te Dicen que Caí, ¡Ay, Carmela!, Libertarias, La Hora de los Valientes, La Lengua de las Mariposas, El Espinazo del Diablo, Soldados de Salamina, El Viaje de Carol, Las 13 Rosas y Los Girasoles Ciegos, aun tienes ganas de profundizar en ese periodo de la historia. Un 4.

P.D.: Algunas de las películas citadas anteriormente son realmente buenas, son solo ejemplos de entre las decenas de películas que ya contaron todo lo que ofrece Pan Negro.
P.P.D.: A mis lectores más radicales, los americanos tienen aun más películas de sus guerras que nosotros de la nuestra, lo sé. Algunas son peores que las nuestras, lo sé. Pero no creo que esa sea la razón por la que debamos producir una media de 4 películas al año sobre el mismo tema. Que hagan Parque Jurásico que la hizo el mismo de La Lista de Schindler y Salvar al Soldado Ryan.

20/2/11

¿Cómo Sabes Si...? (How Do You Know)

Hoy he visto ¿Cómo Sabes Si…? (How Do You Know), una de amor, estafas empresariales y actos impulsivos inexplicables.
¿...si qué?
Otra comedia ligera más para la lista de James L. Brooks que sigue prometiendo más de lo que finalmente ofrece. En esta ocasión cuenta una historia que no interesa y además va evolucionando en algo que interesa aun menos. Cuando parece que todo va a terminar, termina. En unas semanas desaparecerá de la cartelera y en unos meses de la memoria colectiva. Nadie recordará su implicación en esta película, no por mala, más bien por… ¿sosa? No es que sea sosa, es que no es nada. No destaca en nada bueno ni en nada malo. La peli avanza hasta el final y cuando te levantas, sales de la sala y estás en la puerta del cine te dan ganas de comprar una entrada para ver una película porque no tienes la sensación de haber estado viendo nada.

El argumento nos cuenta como una jugadora profesional de Softball, Baseball flojo, es expulsada de su equipo. Deprimida, se va a vivir un poco porque sí a casa de un noviete que le trata como una tonta. Por otro lado un joven empresario ve como comienzan a investigarle por un delito que ha cometido su padre. Tiene que decidir si ir él a la cárcel tres años o dejar que su padre se pudra durante veinticinco porque tenía antecedentes. Pero entonces el chico conoce a la chica y durante una hora y media vemos como ella ni come ni deja comer. Está medio liada con los dos a la vez y se muda de casa unas trece veces cada vez que algo parece molestarle. En una de estas la película termina.

Estos dos, y poco más...
La chica es Reese Witherspoon y no sé hasta qué punto su papel era así de desesperante o es su barbilla la que le da ese toque tan irritante. Paul Rudd es el chico en apuros económicos y hace lo de siempre pero me cae bien. Como Owen Wilson que vuelve a tener un papel casi calcado al de Los Padres de Ella y secuelas. El toque de distinción lo pone el siempre inmenso Jack Nicholson que es el tipo más chulo de Hollywood y punto. Resumiría la peli en quince minutos, la suma de los planos de Nicholson. Kathryn Hahn sale muchísimo y aun así no tiene un papel de ninguna importancia. Su presencia sigue siendo una incógnita para mí.

El ritmo es estable, hay alguna gracia suelta y el reparto me cae bien. Por eso doy un dos. Sale Jack Nicholson, eso son otros dos puntos. Y no sé de donde más rascar para no puntuar bajo una peli que no es especialmente mala, pero es que no es nada en absoluto.

Aquí tenéis el tráiler. La peli os gustará si os apetece comer palomitas sin ninguna distracción importante. Un 4’5 (el 0’5 es una propina, soy muy educado).

17/2/11

Carne de Neón

Hoy he visto Carne de Neón, una de malas compañías, delincuentes de bajo calibre y un puticlub llamado Hiroshima.
Uuuuuu

Paco Cabezas transforma su corto de mismo título en un largometraje intenso e interesante. Dejando atrás las partes más tarantinianas, en este trabajo se acerca más al thriller policiaco de bajos, bajísimos, fondos pero mantiene intacta su intención de comedia negra. Algunos planos a lo Danny Boyle, narración estilo Guy Ritchie e ingredientes de procedencia patria y el resultado es un producto fresquito y divertido manteniendo un tono duro y muy crudo cuando hace falta.

El argumento nos cuenta como Ricky, un delincuente de poca monta, decide comprar un puticlub para celebrar la salida de la cárcel de tu madre. Su mejor amigo, Angelito, es además su peor influencia ya que es el que se encarga de minar la barrera que separa las acciones de Ricky de la necesidad a la locura total. Cuando Pura, la madre prostituta del niño sale de la cárcel, este descubre que tiene alzheimer y no se acuerda de él. Ahí no acaban los problemas. El mafioso del barrio le pide dinero por montar un negocio en su zona, una de las chicas del club da a luz un niño, la policía está comprada y actúa sin previo aviso y en cualquier dirección y, por si todo esto fuera poco, la amiga trans de Ricky que afirma ser hija bastarda del rey, Infantita, no para de atosigarle sobre si debe o no operarse para pasarse al porno y ser una estrella. Con este argumento la película debería ser un dramón digno del Almodóvar de los últimos quince años, pero con una cinemática mucho más moderna y un enfoque más atractivo Paco Cabezas consigue no salirse de la comedia salvo cuando quiere hacerlo.

La Infantita va a cortar por lo sano
Ricky es el omnipresente Mario Casas, el cual dentro de sus limitaciones debo reconocer que no hace un mal trabajo. También es verdad que es un papel perfecto para él y mucho tienen que cambiar las cosas para que no salga de ahí. Angelito es Vicente Romero y al igual que Casas, parece haber nacido para este tipo de papeles, el cual ya interpretó en Celda 211. La madre es Ángela Molina y está impresionante, lo único malo que tiene su interpretación es que solo está en cuatro o cinco escenas y merece salir durante toda la película. Lo mismo ocurre con la Infantita, Dámaso Conde, que deja a la Agrado de Todo Sobre mi Madre como una principiante. Su actuación es aun más carismática y divertida. La canija, una drogadicta a punto siempre de su último chute, es Macarena Gómez que consigue que te dé tanta pena desde el primer minuto que quieres llevártela a casa. Luciano Cáceres es otro de los personajes más violento pero tiernos a la vez, el niño. Blanca Suárez solo sale para que el cartel tenga una tía buena. Antonio de la Torre es el poli corrupto y Darío Grandinetti el villano mafioso.
Plano bien chulo de calvo con pipa

Por lo tanto, los pilares en los que se sustenta la peli, historia bien escrita, visión realista pero cómica y actuaciones carismáticas, se cumplen a la perfección creando un dinamismo y ritmo perfectos. Al centrarse en hacer un buen trabajo en estos tres puntos, consigue convertir un argumento de problemáticas callejeras mil veces descritas en un producto nuevo y apetecible.

Solo una pega, alguna sub trama que no termina de encajar, como la rebelde hija del policía y la disputa entre este y el jefe de los malos, nos aleja sin motivo aparente el argumento central. Pero bueno, es que soy muy quisquilloso.

Para los más curiosos aquí tenéis el corto original, que resume la esencia de la película en quince minutos y contiene algunas de sus frases más divertidas. El reparto es el mismo salvo el prota, Oscar Jaenada, y su madre, Victoria Abril. Para tirarme un poco el royo terminaré diciendo que conocí y felicité al director cuando le conocí en un festival de cortos en el que se hizo con el premio del público gracias, en parte, a mi voto. Chulo que es uno.
Esta pobre solo sale para poner una chica guapa en el cartel. Me refiero a la morena.
Aquí tenéis el tráiler. Os gustará si queréis ver Lock & Stock y Pepi, Luci, Bom y Otras Chicas del Montón mezcladas y con toques de Asesinos Natos. Un 8’0.

16/2/11

I'm Still Here

Hoy he visto I’m Still Here, una de fiestas, drogas, hip-hop y barbas.
Cartel con barbas
Gamberrada dirigida por Casey Affleck, el hermano buen actor de Ben, en la que nos cuenta los últimos dos años en la vida de su cuñado Joaquin Phoenix.
Rodada a modo de documental, vemos como Joaquin se replantea su carrera y al empezar la gira de promoción de su última película, Two Lovers, decide dejar de actuar. Esto causó una gran conmoción, sobre todo en la industria americana. Decenas de productores y representantes se pusieron en contacto con él para ofrecerle proyectos. En la peli, podemos ver incluso una escena en la que Ben Stiller irrumpe en su casa y le ruega que acepte un papel, pero Joaquin parece que ha perdido el norte. Con un el pelo churretoso y una barba que envidiaría el propio Galifianakis, comienza su carrera en el mundo del Hip-Hop. Bueno o eso parece pretender. Sus letras manidas y llenas de tópicos son escuchadas por productores como Puff Diddy el cual queda estupefacto ante la mierda que está oyendo. Phoenix parece entrar en una montaña rusa de estados donde cada día se encuentra en un nuevo punto máximo. Consigue algunos bolos pero su falta de tablas y seguridad hacen que todos terminen de manera desastrosa. En la última entrevista que concede para televisión, David Letterman se mofa de su aspecto y Phoenix vuelve abatido a casa. Todos se ríen de él, nadie le toma en serio. Muchos cómicos ya le imitan poniéndose barbas postizas y haciendo el tonto en diferentes programas. No puede más. Nadie le toma enserio. Va a ver a su padre, se toma unas cervezas y se mete en un rio en un precioso plano de unos tres minutos. Y fin.
Liándola parda
Cuando ves la película, si no sabes de qué va el royo, te crees que son los últimos días de una estrella. Que ese fue el fin del pobre Joaquin. Y eso es lo que todos creían, pero no. Todo es mentira, la película entera es falsa y la imagen que Phoenix ha dado todo este tiempo era un juego entre él, Casey Affleck y tres o cuatro colegas más. Todos los que le vieron ir muriendo, los que se rieron de sus pintas y su adicción y los que dijeron que todo era una pose para lanzar su carrera de rapero están ahora retratados en esa película mientras Joaquin Phoenix se afeita en su casa tranquilamente. Todo era tan falso, que ni siquiera sale con su padre al final, es el padre de Ben y Casey Affleck.

Sobre su interpretación solo puedo decir que es convincente, más que nada porque durante dos años todo el mundo se la creyó. Aun sabiendo la condición de falso documental, algunas escenas son difíciles de asimilar dado el realismo del estilo a la hora de grabar.

A mi parecer, le falta un poco más de chicha. Vale que engañar a todo el mundo unos meses está guay pero, aparte de las escenas de programas y de conciertos, no hay mucha tensión con el público. De hecho la mayor parte de la película consiste en escenas privadas en su casa donde el guión insiste constantemente en estar contando un documental real sobre su vida. Como experimento está muy bien pero el resultado es algo difícil de asimilar si no eres un tanto retorcido. Por eso a mí si me ha gustado.
Y con estas pìntas dos años riéndose de todos
Aquí tenéis el tráiler. Vedla si os gustó Borat pero veis cine de Lars von Trier. Como curiosidad, aquí pongo el enlace del regreso de Phoenix al programa de Letterman tras el estreno de la peli, no tiene desperdicio. Un 8'0.

15/2/11

Goyas 2011

Tengo que reconocer que hacer esta entrada me daba pereza pero debido a las amenazas de @qbnx voy a ponerme a ello.
Dientes dientes...
El domingo se celebró la gran noche del cine español y este año venía calentita. El Palacio Real fue el nuevo escenario de la ceremonia y miles de anonymous se congregaron a su alrededor para acoger a las celebridades del momento y para recibir a la ministra de cultura con una fuerte ovación por hacer que por primera vez los premios de nuestro cine fuesen Trending Topic.

Descarga legal
La gala comenzó muy bien. El video de introducción fue un montaje muy divertido y logrado donde veíamos al anfitrión, Andreu Buenafuente, en escenas de diferentes películas de nuestro cine. Al salir al escenario colgado del techo, dejó claro con su primera frase por donde iban a ir los tiros: “Esto es una descarga legal”. Su monologo introductorio fue bastante acertado y los primeros minutos sorprendieron a los más pesimistas. Un divertido número musical me hizo pensar incluso que estaba en el Kodak Theatre por unos momentos. Luis Tosar es un genio y todos lo sabíamos, pero es que además canta y baila. Bueno, más o menos. Pero algo empezaba a ir mal. Cuando el número musical llegó a su tercer minuto y a su séptima estrella invitada encima del escenario comenzó a parecerse más a una obra de fin de curso. Cuando terminó la canción me di cuenta de que efectivamente estaba en los Goya. El nivel bajó hasta cotas insospechadas. Repitieron la formula de ir colando montajes de las películas nominadas cambiándoles el género a modo de trailer y lo que el año pasado quedó resultón, este año brilló por su ineficacia. Las intercaladas intervenciones de Buenafuente tuvieron dos momentos realmente tristes. En uno, toda la gracia consistió en jugar con el autotune del micrófono. El segundo fue cuando realizaron un gag de unos cinco minutos donde se ligaba a Maribel Verdú para luego pedirle el teléfono de Scarlett Johansson. La ceremonia iba muy rápido y aun así fue tremendamente lenta. Los premios se daban en un momento pero son tantos y los agradecimientos eran tan largos que la duración final fue de algo más de tres horas. Cuando creí morir de hastío, salió Jimmy Jump y nos despertó a todos para ver los últimos premios. Como reavivado de furia, Buenafuente volvió a tener gracia en sus últimas intervenciones e incluso hizo una broma digna del mismísimo Ricky Gervais: “Vaya, Pa Negre se está llevando todo, voy a tener que ir a verla”.

Los niños ganadores de Pa Negre
Los premios, muy repartidos. ¡Que no!. Basicamente Pa Negre se llevó todo lo gordo incluido guión adaptado, dirección y película. Como tenía dos niños pues se llevaron también, mejor actor y actriz revelación. Las actrices Laia Marull y Nora Navas, también de Pa Negre, ganaron a mejor actriz de reparto y mejor actriz principal respectivamente. Bardem se hizo con su cabezón, merecido en mi opinión, aunque hay que reconocer que si él fuese el protagonista de Buried (Enterrado) posiblemente se lo hubiesen dado por esta peli, aunque solo sea porque Biutiful es un tostón. Karra Elejalde se llevó el de mejor secundario y me alegré. El problema es que él se alegró también y se tiró cinco minutos diciendo incoherencias sobre el escenario. Me fui a hacer unos recados y al volver pensaba que le habían dado otro. Buried (Enterrado) se hizo con mejor sonido, guión original y mejor montaje. Balada Triste de Trompeta maquillaje y efectos especiales. También la Lluvia banda sonora y diseño de producción además del ya nombrado a Karra. Lope ganó mejor canción lo que me obligó a volver a ver al cansino de Jorge Drexler tarareando nosequé y mejor vestuario solo por que es una película de época. El Discurso del Rey fue elegida mejor película de habla no inglesa pese a competir con productos más potentes como La Cinta Blanca, El Escritor y Un Profeta. Bicicleta, Cuchara, Manzana, el documental sobre cómo Pasqual Maragall se enfrenta al alzeheimer se hizo con su premio así como Chico & Rita ganó el Goya a mejor largometraje de animación pese a no entrar en concurso ya que no se ha estrenado…

Karra Elejalde sigue hablando en su casa de cosas al azar
En conclusión, una pena que Buried (Enterrado) no consiguiese quitarle la gloria a Pa Negre pero claro, esta última aun está en cines, ahora supongo que la cuota será un poco mejor. Luego todos se quejan de que aquí solo se ruedan historias sobre la guerra civil pero es que si solo premiamos estas obras, es difícil arriesgar y meter a un tío en una caja hora y media.

En fin, esta no fue la única ceremonia interesante de la noche, y no me refiero a los BAFTA que se saldaron con la victoria total de El Discurso del Rey, si no a lo que se vivió en Twitter. Desde muy temprano empezaron los anonymous a avisar de que pese a que no les sacasen en imágenes eran muchos. Caretas de Guy Fawkes por todas partes. Cuando llegó la Sinde, a la señal de rtve se le fue misteriosamente el audio por unos segundos. Los twitts se atropellaban pidiendo sangre por la censura inteolerable. Todo se calmó cuando empezó la gala y pasamos de #opgoya a solo #goya para darle un tono más distendido. Entre las mejores gracias de la noche, las dedicadas a Leire Pajín ya que cuando su cara salió en pantalla mientras @Alexdelaiglesia se quedaba agusto, salión un tanto desfavorecida. Así tras la interrupción del espontaneo profesional alguno proclamó “Jimmy Jump se ha colado en la papada de la Pajín”. Curiosamente solo un plano de unos dos segundos dieron la vuelta al Twitter que olvidaron a la Sinde para centrarse en la ministra de sanidad, política social e igualdad.


La ovación a Álex de la Iglesia fue masiva tras su discurso y en cuestión de minutos ya contábamos todos con la versión escrita de su alegato a internet. @SSantiagosegura twitteó dos minutos antes de salir que se tocaría la barba en homenaje a sus followers y lo hizo, lo que provocó otra oleada de vítores. Por otro lado @Vigalongo nos engañó a todos comentándonos detalles de la gala desde dentro para finalmente decirnos que estaba en su casa viéndolo por la tele. Cabrón. Después de la gala empezaba [Rec] y, debido a la hora de retraso, muchos empezaron a comentar detalles de la película durante la última hora de la ceremonia incluyendo el propio @paco_plaza.
Cierro con la mejor foto de la noche
Pues nada más, si tenéis alguna duda, mandadme un burofax. En dos semanitas, los Oscar.

13/2/11

Valor de Ley (True Grit)

Hoy he visto Valor de Ley (True Grit), una de vaqueros, whisky, revólveres y venganza.
Ethan y Joel Coen firman este western con la mejor de sus intenciones y con la genialidad que les caracteriza. A estas alturas no voy a descubrir nada nuevo de los hermanos responsables de Barton Flink y Fargo entre otras, así como ellos mismos tampoco han descubierto mucho con esta película. No lo digo de un modo totalmente despectivo, tan solo señalo que hacer un guión basándose en una película que se basa en un libro no es el modo más sencillo de crear cosas nuevas, y más si haces una película calcada a la primigenia. El resultado es preciso, eficaz y contundente, pero totalmente falto de inventiva. La finalidad claramente era esa, homenajear en el sentido más amplio de la palabra. Así, Valor de Ley de 1969, podría servirles casi como storyboard de su nueva cinta. Como no creo que muchos de mis lectores hayáis disfrutado de la antigua, esta crítica incluirá toda la información necesaria sobre las dos.

El argumento nos cuenta como Mattie Ross, una prepotente e insoportable niña de 14 años, viaja hasta Fort Smith, un pueblecito donde han matado a su padre. Allí, después de arreglar varios asuntos económicos, contrata los servicios del alguacil Rooster Cogburn para dar con el paradero de Tom Chaney, asesino del papá de la plasta. A estos dos se les une La Boeuf, ranger de Texas, quien también persigue al fugado ya que su caza conlleva una suculenta recompensa. Así los tres se internan en territorio indio y van siguiendo el rastro del villano. El alcoholismo de Cogburn, la prepotencia tejana y, sobre todo, la mosca cojonera que supone la niña, hacen que el viaje sea movidito y terminen odiándose todos desde lo más profundo de sus almas.
El reparto cuenta con el inconmensurable Jeff Bridges en el papel del alguacil tuerto. Tras su Oscar del año pasado, vuelve a estar nominado y aunque ya no le toca realmente merece estar ahí. Matt Damon se transforma en La Boeuf y, aunque no es tan genial como su compañero, si mejora ampliamente su personaje con respecto al original. Hailee Steinfeld es Mattie Ross y tambien está nominada al Oscar aunque en este caso simplemente por su corta edad. Su personaje es insoportable sí, pero su actuación es plana y anodina. Josh Brolin es Tom Chaney y sigue tan brillante como siempre. Barry Pepper hace de Lucky Ned Pepper, autentico villano de la película y Domhnall Gleeson es el pobre Moon. Nombro a este último ya que en la película original, el actor que lo encarnaba era un joven Dennis Hopper, Pepper era Robert Duvall y como sin duda sabréis Cogburn era John Wayne, papel por el que recibió su único Oscar.

Por lo tanto, para valorar esta película habría que decidir el punto de vista:
Negativo: realmente no aporta casi nada nuevo, plagia escena por escena la antigua y una de las pocas diferencias es un epílogo ciertamente penoso. Y encima sin John Wayne.
Positivo: es un homenaje al buen western y a una película genial. Encantará a los seguidores de la original y la podría disfrutar de nuevo el público más joven. Y encima con Jeff Bridges.

Yo, como fanático de las pelis del oeste con nieve de fondo, borrachines pendencieros y letreros escritos en madera, me quedo con lo bueno de la película que es mucho. Actualizando las interpretaciones y mejorando cada plano, permite disfrutar por segunda vez con una historia genial sobre una época dura y fascinante. Disfrutar de la genialidad de Bridges de nuevo con los Coen doce años después de El Gran Lebowski no tiene precio. Por otra parte, el epílogo es totalmente innecesario.

Como último dato curioso, en 1975 se hizo una secuela llamada El Rifle y la Biblia con Katharine Hepburn y John Wayne de nuevo en el papel de Cogburn.


Aquí tenéis el tráiler, disfrutadlo, sobre todo por la genial versión de God’s Gonna Cut You Down del inmortal Johnny Cash. Ved la peli si os gustan los western sin complejos. Un 9'25.